Cassondra Murray (iel) est un·e artiste vocal·e expérimental·e neurodivergent·e, 2SLGBTQ et un·e militant·e communautaire basée à St. John’s, Terre-Neuve-et-Labador (Ktaqmkuk). Leur travail explore les techniques vocales étendues et les pratiques d’improvisation, créant des performances immersives décrites comme “envoûtantes” et “anarchiques”. Murray s’est produit·e avec des ensembles, tels que Vertrek and VocalX, de même que dans des festivals tels que Now Hear This de New Music Edmonton, Newfound Music Festival, Festival of New Dance, Hold Fast, Sound Symposium,ainsi que Audiopollination (Guelph) et Night Music (St. John’s). Leur pratique artistique est documentée dans Voices Found: Free Jazz & Singing (Chris Toneli).

Praticien·ne certifié·e en Soutien par les pairs et en Justice réparatrice, Murray applique une approche anti-oppressive et axée sur l’expérience des survivant·es au travail communautaire, à la gouvernance organisationnelle et au changement systémique. Iel est représentant·e régional·e de Terre-Neuve-et-Labrador pour Survivors for Justice Reform. Murray a occupé des fonctions au seins de conseils d’administration et de comités tels que Violence Prevention Avalon East, St. John’s Status of Women Council, Persistence Theatre, Peer Support Canada’s Advisory Committee, Equal Voice NL’s Leadership Committee, et le Social Justice Co-op NL’s Transformative Justice Committee. En reconnaissance de leur militantisme, iel a reçu le prix YWCA pour la Justice sociale et le Défense de droits (2025).

La pratique de Murray est axée sur l’équité, l’accessibilité, le bénévolat et la responsabilité relationnelle, faisant le pont entre l’art, le plaidoyer et l’engagemet communautaire transformateur. Iel s’engage à amplifier les voix marginalisées, à favoriser l’écoute active et l’entraide, et à explorer le potentiel de la pratique créative pour bâtir des communautés musicales inclusives et dynamiques.

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Je suis absolument ravi.e de représenter l’Ontario au sein du conseil d’administration du RCMN. Je crois profondément en la mission du RCMN et j’ai hâte de contribuer à façonner l’avenir de cette organisation. J’ai une grande admiration pour la manière dont le RCMN encourage la collaboration et la connexion à travers la musique et le son, tout en priorisant l’accessibilité, et je suis enthousiaste d’avoir l’opportunité de poursuivre et d’approfondir ce travail inestimable.

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En tant que Franco-ontarien résidant en Allemagne depuis plus de dix ans, les deux solitudes qui composent mon identité linguistique et culturelle me manquent terriblement. Pour cette raison, je suis ravi de faire partie du conseil d’administration du CNMN et de pouvoir entrer en contact avec des artistes dévoués d’un océan à l’autre. De plus, j’ai hâte de partager mon savoir issu de mes expériences de travail dans un contexte majoritairement européen et de mes domaines d’expertise: les œuvres scéniques et pour jeune public (3 à 16 ans).

Thierry Tidrow (*1986, Ottawa) est un compositeur en plein essor, dont l’oeuvre englobe tant la musique instrumentale que vocale, avec une prédilection pour l’opéra. Son univers sonore accueille plusieurs mondes musicaux où explorations bruitistes, lyrisme expressionniste, pastiche et parodie forment un tout discursif et richement détaillé (Jury de Génération 2018 de l’ECM). Sa capacité à combiner audacieusement les styles, sous-tendue par une approche réfléchie des rapports entre son et texte, agit comme un révélateur de sens cachés ou en émergence. De même, son flair de dramaturge le dirige vers un mode d’expression intrinsèquement narratif imprégné de surprise et d’intrigue.

Thierry a collaboré avec de nombreux artistes à travers l’Europe et l’Amérique du Nord, parmi lesquels on peut mentionner l’Ensemble Asko-Schönberg, l’Ensemble Modern, le Quatuor Bozzini, les ensembles Continuum et Paramirabo, la chanteuse Sarah Maria Sun, le percussionniste Johannes Fischer, et la clarinettiste Heather Roche. Sa plus récente création canadienne, Entre Nous, pour Quasar quatuor de saxophones et 4 acteur.trice.s, explore ce que la langue québécoise/franco-ontarienne dit et ne dit pas sur notre passé, nos valeurs, nos traumas, nos préjugés, notre besoin d’appartenance et notre besoin de rire.

Thierry a écrit plus de dix opéras, dont plusieurs pour enfants. De 2018 à 2021, il était compositeur-en-résidence à l’opéra de Dortmund, et ses oeuvres scéniques ont été jouées dans les maisons d’opéra de Bonn, Cologne, Dresden, Darmstadt, Düsseldorf et Vienne. Thierry a reçu de nombreuses distinctions, dont le Premier Prix à l’édition inaugurale (2018) du Concours Graham Sommer (Montréal) pour son quintette à cordes Quicksilver, ainsi que le Prix du gouverneur général du Conseil des arts du Canada et le Prix Jules-Léger en 2014 pour sa pièce Au fond du Cloître Humide.

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Anju Singh est une compositrice, multi-instrumentiste, bruiteuse/artiste sonore et vidéaste basée à Vancouver. Ses œuvres basées sur le son et l’image se concentrent sur la texture, la densité et les dynamiques extrêmes. Elle utilise des instruments traditionnels, des techniques étendues ou expérimentales, du traitement électronique, des matériaux et des objets non musicaux, ainsi que des outils et des instruments fabriqués sur mesure pour expérimenter et développer ses œuvres. Un aspect essentiel de sa pratique consiste à utiliser des méthodes de déconstruction et de réanimation pour réutiliser et contextualiser des matériaux dans de nouveaux environnements compositionnels.

Anju est une artiste active et a présenté et joué son travail à travers le Canada, en Europe, au Brésil, au Mexique et aux États-Unis dans une variété d’espaces, notamment au Fylkingen à Stockholm, en Suède ; au Send + Receive Festival à Winnipeg ; au Vancouver Jazz Festival ; à la Polygon Gallery ; au New Forms Festival ; et, plus récemment, en tournée au Japon.

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Lauréate d’un prix JUNO et WCMA, la violoniste et compositrice Meredith Bates s’est parfaitement implantée dans le paysage musical canadien, à la fois en tant que collaboratrice magnanime et progressivement comme une artiste solo influente et singulière.

Installée avec reconnaissance sur les territoires non cédés des Salish de la côte à « Vancouver », la lauréate aux multiples récompenses s’est forgé une réputation à la fois pour son introspection recherchée et sa virtuosité absolue avec son instrument. Elle a passé les vingt dernières années à enregistrer et à se produire à travers le monde dans des ensembles tels que le groupe instrumental Pugs and Crows, lauréat d’un prix JUNO et Western Canadian Music, et avec la formation pop avant-chambre, Gentle Party. Elle est également impliquée dans des projets menés par des piliers de la scène vancouvéroise tels que Peggy Lee, Tony Wilson, Leah Abramson, Lan Tung, Ruby Singh, CR Avery, Joshua Zubot et Ford Pier.

Une grande partie de la constante faculté d’adaptation de Bates réside dans son engagement à rester curieuse sur le plan artistique. Elle a pris des cours privés avec tout le monde, du célèbre professeur de musique classique Philippe Djokic à l’expérimentaliste renommée Carla Kihlstedt, et elle a continué à s’impliquer dans l’expansion de son son à travers des opportunités telles que le légendaire Creative Music Workshop de feu Jerry Granelli à Halifax et par le biais de résidences dans des centres cruciaux pour l’exploration créative, notamment le Fylkingen de Stockholm, Western Front (Vancouver) et le Banff Centre.

Cet esprit de curiosité se retrouve également dans l’éventail considérable des projets artistiques de Bates. Elle est la fondatrice et directrice de Like the Mind, un sextet d’improvisatrices réputées de Vancouver et Stockholm –avec Peggy Lee, Lisa Ullén, Lisen Rylander Löve, Elisa Thorn et Emma Augustsson – et de Sound Migrations, un projet collaboratif combinant des paysages sonores électroacoustiques multicanaux avec des photographies retouchées. En 2019, Bates a fondé l’Improvised Arts Society, qui soutient tout au long de l’année les expériences et pratiques interdisciplinaires ainsi que deux festivals consacrés aux arts de la scène : le Listen, Listen Festival et le West Coast String Summit. Meredith siège également au conseil d’administration de la Seagrass Music Society et du Réseau canadien pour les musiques nouvelles et elle participe au programme Pathways du Conseil des arts de la Colombie britannique.

En 2019, Meredith a sorti son ambitieux premier album solo, le double disque If Not Now sur Phonometrograph, qui a recueilli des éloges dans les médias et une mention sur la longue liste du Prix Polaris. Son album suivant, tout aussi extensif, Tesseract, sorti en 2023, a également été salué par la critique. Stuart Derdeyn du Vancouver Sun l’a qualifié « [d’]obsédant et complètement addictif » tandis que le critique chevronné Marc Masters l’a classé parmi les meilleures parutions de musiques expérimentales sur Bandcamp en juin 2023. « Tesseract est en définitive une musique d’ambiance dans le meilleur sens du terme », a noté Masters. « Cela peut non seulement changer votre humeur actuelle, mais aussi en faire naître d’autres qui ne vous sont pas familières. C’est particulièrement vrai sur la chanson titre de 46 minutes, un collage monumental de bourdonnements et de rugissements qui pourraient être revisité à l’infini ». Tesseract a été nominé pour le meilleur album instrumental de l’année au Prix JUNO 2023.

www.meredithbates.com | www.improvisedarts.ca

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Éric Normand est artiste improvisateur, bassiste, compositeur et imprimeur. Il vit dans la petite ville de Rimouski (Est du Québec). Il dirige Tour de bras, un organisme voué aux musiques d’improvisation et multiplie des actions culturelles à échelles locales et globales. Il est l’un des fondateurs du Grand groupe régional d’improvisation libérée (GGRIL, 2007), un ensemble dédié à l’exploration de «compositions pour improvisateurs».

Il a fait paraître plus de 30 albums sur des étiquettes canadiennes et étrangères et sa musique a été jouée dans différents festivals dans plus de 20 pays. À travers, Tour de Bras, Normand défend depuis 20 ans les pratiques d’improvisation et a créé un réseau international impressionnant, où l’on croise tous les centres nerveux de l’improvisation et où se déploient des co-productions avec l’Australie ou la Slovénie.

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La flûtiste Chenoa Anderson est une artiste qui vit et travaille à Amiskwaciy-wâskahikan/Edmonton. Elle a commandé et créé des dizaines de pièces solo et d’ensemble et est une improvisatrice active qui travaille avec des musiciens, des danseurs et des artistes de création parlée. Ses projets actuels incluent UltraViolet – un quatuor mixte spécialisé dans le nouveau répertoire ; Garden – œuvres multidisciplinaires situées dans son jardin en permaculture ; Mixtur avec le compositeur Ian Crutchley, interprétant un répertoire expérimental pour flûte(s) et objets/instruments/électronique trouvés ; et damn magpies, un sextet d’improvisation libre. Elle est titulaire de diplômes en interprétation de l’Université de Toronto (B.Mus.) et de l’Université de la Colombie-Britannique (M.Mus.).
Le premier enregistrement solo de Chenoa Anderson, Big Flutes: Canadian Music for Alto and Bass Flutes, a été nominé pour un Western Canadian Music Award 2006. Krishna’s Flute (earsay music, 2013) propose de la musique pour flûte et électronique interactive. Ses enregistrements nouveaux incluent The Bellow Project, une collaboration entre l’artiste de création parlée Dwennimmen (Shima Aisha Robinson) et damn magpies (2021, Bandcamp), et field studies – chamber music of Emilie Cecilia LeBel  (2023, Redshift Records), avec UltraViolet.
En plus d’une carrière active d’interprète et d’enseignante, Chenoa est directrice générale de New Music Edmonton depuis 2012 et, en 2014, elle a été nominée pour le prix Syncrude pour l’excellence en gestion des arts lors des Prix du maire pour les arts. Lorsqu’elle ne joue pas de la flûte, Chenoa jardine, tricote, fait du vélo, du ski de fond ou lit avec un chat sur ses genoux.

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La violoncelliste éclectique et primée Marina Hasselberg « est devenue une présence remarquable sur la scène musicale de Vancouver » (Georgia Straight). À l’instar de son nouvel album Red produit par Jesse Zubot, ses performances sont un mélange provocateur et profondément personnel d’œuvres écrites qui résistent la classification et prennent des excursions aventureuses improvisées. Hasselberg emploie des techniques étendues, une variété d’arcs et d’accessoires, et de l’électronique pour tracer une ligne fine entre le connu et l’inconnu.

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Je suis heureuse et excitée de jouer un rôle en tant que membre du conseil d’administration du RCMN, car il s’agit d’un précieux bâtisseur de réseau pancanadien. Rassembler une grande variété d’artistes : musiciens, interprètes, improvisateurs, compositeurs, interprètes, travailleurs culturels, bâtisseurs de ponts et au-delà, est une mission motivante. La rencontre de ces diverses pratiques, à travers diverses pratiques culturelles et traditions, peut et va le plus souvent enrichir, libérer et rendre plus humble nos expériences individuelles. J’ai hâte de participer au travail du RCMN, visant à illustrer et à renforcer la riche diversité culturelle qui compose le paysage canadien et à contribuer au bien-être de ces communautés interconnectées.

Liberté-Anne Lymberiou est une compositrice, pianiste et chef d’orchestre de Montréal. Son processus artistique se concentre sur une vision holistique de la musique, tenant compte des traditions, de l’environnement, de la physique, du mouvement et de la spiritualité des sons avec lesquels elle s’engage dans l’instant. Son travail étant principalement influencé par la musique jazz, Liberté Anne porte une attention particulière à l’improvisation et aux structures rythmiques de la diaspora africaine, ainsi qu’aux concepts et philosophies qui entourent ces pratiques.

Liberté-Anne a commencé sa carrière en 2013 à New York, en fondant son orchestre le « Liberté Big Band », interprétant ses œuvres originales. C’est son mentor, le compositeur et pianiste Arturo O’Farrill qui l’a d’abord encouragée à poursuivre une voie de composition et de direction d’orchestre. C’est à travers ses études avec le chef percussionniste Baba Neil Clarke qu’elle commence à s’engager plus sérieusement dans les concepts d’ensemble de percussion panafricains et une vision holistique de l’art.

En 2017, elle a reconstruit le Liberté Big Band à Montréal et a poursuivi diverses performances et collaborations autoproduites à travers les styles et les formations. Entre 2017 et 2019, elle a beaucoup voyagé à Cuba pour faire des recherches et étudier avec Irian Lopez, en se concentrant sur la batterie Batà.

Les œuvres les plus récentes de Lymberiou traversent les traditions et les genres, et comprennent un opus de 50 minutes pour un orchestre de jazz de 20 musiciens, ainsi qu’un répertoire pour duos de saxophones, une chorale et des projets multidisciplinaires impliquant la danse, l’art textile et le cinéma.

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Originaire de New York, Andrew a étudié à Ottawa et à Toronto et a par la suite tourné avec la Compagnie nationale d’opéra du Canada (COC), l’Orchestre du Centre national des arts (O‑CNA) et le Royal Winnipeg Ballet (RWB).

Andrew s’est produit dans de nombreuses salles, dont Open Ears Festival (Kitchener), New Music Calgary, Sound Symposium (Terre-Neuve), le Scotia Festival of Music, Ensemble Kore (Montréal), The Music Gallery (Toronto), Western Front (Vancouver) et Tonic (New York).

Miller a composé de la musique pour orchestre, de la danse, musique de chambre, le cinéma, la télévision et le théâtre.

« Miller est un superbe joueur, un maître et un inventeur créatif .….. » ‑Stephen Pedersen, The Chronicle Herald (Halifax), 10 janvier 2011

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